Estado Crónico
Montaje que reflexiona en torno a problemáticas existentes en el servicio de salud pública. La puesta en escena resulta de un proceso creativo que sienta sus bases en interrogativas e inquietudes de la compañía. La acción transcurre en la sala de espera de un hospital, donde interactúan distintos personajes: una recepcionista inmovilizada, la doctora anestesiada en su turno, una mujer en hábito de monja en crisis respecto a sus esperanzas, una pescadora como símbolo de una voz acallada y una madre que ya no cree en la justicia.
Estos personajes fluctúan en un mundo de pesadillas, fantasías y ensueños, cuestionándose una realidad que se ve distorsionada por la aparición de sus deseos más reprimidos, mostrando así sus verdaderas carencias. Así, entregan al espectador un material que oscila entre la seriedad y lo incoherente, para reflexionar sobre el acontecer nacional, donde conceptos como la espera, la rutina, lo absurdo, la ignorancia y la indolencia se hacen presente.
Ficha técnica
Dramaturgia: Teatro Desastre.
Dirección: Gloria Barrera Barraza.
Intérpretes: Valeska Morales Rozas, Savka Plancic Lillo, Carla Sotomayor Parraguez, Diego Cortez López.
Diseño integral: Teatro Desastre.
Registro audiovisual: Macarena Varas Henríquez, Francisco Olmos Lara.
Técnico iluminación: Alfonso LÓpez Donoso.
Música: Diego Cortez López AKA Okoh Zprite.
Producción: Alfonso López Donoso.
Público desde los 16 años.
Ayün, el sentimiento del todo
Puesta en escena biográfica, que mediante cuadros fragmentados, utiliza el teatro, la música y la danza para reflexionar sobre el amor como emoción primordial en los seres humanos. Los intérpretes recorren experiencias significativas de su propia historia, respondiendo la pregunta: ¿cómo aprendimos a amar?
Las escenas muestran los vínculos entre una abuela y su nieto; una joven y su familia; y las historias afectivas de una mujer empoderada. Todas ellas entrecruzadas con intervenciones performáticas y musicales en las que el público juega un rol activo.
“Ayün” invita al público a interactuar con el elenco, a través de actividades grupales, con el fin de impulsar la reflexión personal. Esta propuesta experiencial toma gran importancia en el contexto social actual, generando espacios de reencuentro y de rituales colectivos, poniendo en valor el respeto, la diversidad y la comunicación para construir relaciones más saludables. El carácter performativo y experiencial de esta obra, permite adaptar la puesta en escena a diferentes espacios y tiempos.
Ficha artística
Dirección: Juan Pablo Iriarte.
Puesta en texto: Creación Colectiva.
Dramaturgia: Josefina Reyes y Alberto Wilson.
Intérpretes: Karen Cáceres, Juan Pablo Iriarte, Sebastián Silva, Josefina
Reyes, Alberto Wilson e Ignacio Labra.
Dirección de Arte: Josefina Reyes.
Composición musical: David Capdepont.
Dirección musical: Sebastián Silva.
Diseño Integral: Evelyn Fica.
Duración: 50 minutos.
Público desde los 14 años.
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Nómades del Mar
La historia transcurre a finales del siglo XIX. Cafalái y Afcár son padre e hija, un pequeño grupo familiar Kawésqar, nómades del mar que recorren los canales de la Patagonia Occidental en su canoa. Su vida cambia drásticamente cuando los misioneros Salesianos los atraen hacia la Isla Dawson. Afcár querrá asentarse en la misión buscando seguridad y protección para su familia, pero Cafalái intentará por todos los medios defender su pasión por navegar, su cotidiano lleno de magia entre los canales que la vieron nacer, reivindicando su identidad Kawésqar.
En la ruta por resolver este quiebre familiar descubrirán que su entorno está cambiando aceleradamente por la llegada de los grandes barcos a la zona, por la sobreexplotación de los recursos marinos y la evangelización de los pueblos de la Patagonia. Su ancestral cultura y sus tradiciones podrían verse afectadas por estas alteraciones.
Ficha técnica
Idea original: Francisco Molina y Sol Melnick.
Dirección e iluminación: Diana Fraczinet.
Dramaturgia: Sol Melnick.
Elenco y confección de marionetas: Carlos Becker, Sol Melnick y Francisco Molina.
Vestuario: Flor Herrera.
Cestería junquillo: Laura Artiago.
Composición musical: Juan Salinas.
Producción: Colectivo Cuatro Vientos.
Público familiar.
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El viaje de Alí
Esta obra inspirada en la cultura Aymara trata sobre una comunidad altiplánica que enfrenta un gran conflicto con su bien más preciado: el agua. Al ver que el recurso natural no está llegando a sus tierras encomiendan a Alí, el más joven de la comunidad, junto a su fiel amiga Yaku, una llama, recorrer el altiplano y resolver el problema que los acongoja. Así, Alí y Yaku emprenden esta aventura.
La técnica utilizada en este montaje es el teatro de marionetas y objetos, donde dos narradores cuentan la historia a medida que van apareciendo objetos, marionetas y máscaras para encarnar personajes y espacios.
Ficha técnica
Dirección: Colectivo Cuatro Vientos.
Dramaturgia: Francisco Molina.
Elenco y confección de marionetas: Sol Melnick y Francisco Molina.
Músico en vivo: Francisco Araya.
Técnico: Rosa María Castillo.
Vestuario: Colectivo Cuatro Vientos.
Producción: Colectivo Cuatro Vientos.
Público familiar.
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En ningún jardín de Chile un niño puede ser flor
Inspiradas por el caso hipotético de un niño que quiere ser flor en una obra de teatro del jardín, dos actrices (Tamara Colipan y Macarena Bejares) realizan un proceso de creación para discutir sobre los estereotipos de género y la construcción de género en la infancia. En un formato híbrido entre ficción y documental, las actrices exploran junto a sus hijos (Diego y Dante) distintas perspectivas, exponiendo una visión sensible sobre el género, tema urgente a ser discutido para el futuro de igualdad y equidad del país que imaginamos.
“En ningún jardín de Chile un niño puede ser flor” es el tercer proyecto de Colectivo Pandora, compañía de la Región de la Araucanía, que busca a través del teatro discutir sobre feminismo, sociedad y cultura. La obra, en formato audiovisual, fue creada en contexto de pandemia, cruzando metodologías de teatro y cine.
Ficha técnica
Elenco: Tamara Colipan, Macarena Bejares, Diego Silva Colipan, Dante Corsini Bejares.
Dirección: David Atencio.
Dramaturgia: Mateus Fávero.
Asistencia de dirección: Marioly Torres.
Diseño integral: John Álvarez.
Musicalización: Pablo Serey.
Realización audiovisual: Hardy Cotal.
Guión: David Atencio / Mateus Fávero.
Producción: Marioly Torres / Macarena Bejares.
Actores invitades: Jaime Silva / Emilia Silva Colipan.
Colaboradoras: Espacio Txawün, Centro Cultural Padre Las Casas, Espacio Didaskalia (Temuco).
Público familiar desde los 6 años.
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La más fuerte
La reelaboración de esta obra de Strindberg, “La más fuerte”, reflexiona sobre estos roles y nos lleva a cuestionar desde qué perspectiva se construyen, quiénes los han impuesto, cómo han sido validados en nuestra cultura occidental ¿Qué es la misoginia? ¿Ésta es un cimiento de la cultura occidental? ¿Se manifiesta ésta en el texto de Strindberg? ¿Se repite un patrón misógino en la sociedad más allá de la ficción?
Todos estos cuestionamientos se elaboran en la puesta en escena a través de un diálogo donde las
actrices, profundizando en capas de realidad – ficción, reflexionan en torno a sus roles, a la dramaturgia, al autor, y a la construcción del saber cimentado por hombres. En esta búsqueda por la verdad, la esencia y el origen, ellas intentarán reconstruir el encuentro planteado por el autor, dejando a un lado los prejuicios inherentes a su género.
Ficha técnica
Dirección: Javiera Cifuentes Padilla.
Dramaturgia: Colectivo Pandora & David Atencio.
Elenco: Macarena Bejares y Tamara Colipan.
Producción: Macarena Bejares y Javiera Cifuentes.
Entrenamientos corporales: Macarena Bejares.
Diseño integral: Felipe Olivares.
Diseño gráfico: Juan Andrés Rivera.
Técnico de iluminación: Javier Millar.
Técnico en sonido: Hardy Cotal.
Público desde los 14 años.
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De Género. El opresor no sería tan fuerte si no tuviese cómplices entre los propios oprimidos
Esta obra presenta tres historias unidas por un principio común: La Mujer. Pasando del drama al humor, particulares personajes encarnados por tres actrices darán vida a estos tres relatos marcados por el prejuicio, violencia y desigualdad. La propuesta se crea a partir de la necesidad de reflexionar acerca del rol de la mujer en la sociedad actual. Se trata de una puesta en escena que indaga en una reflexión muy contingente sobre problemáticas de género.
A nivel escenográfico la propuesta es simple, pero a la vez muy eficaz por cuanto despliega una estética minimalista que permite cambiar dinámicamente los espacios referenciales. Las actuaciones y cambio de roles destacan en relación a ese propósito. El juego de planos, música, voces e imágenes proyectadas dota a la propuesta de una estética contemporánea que permite refrescar la temática, alejándola de la mera observación sociológica.
Ficha técnica
Idea original: Colectivo Pandora.
Dirección: Javiera Cifuentes Padilla.
Dramaturgia: David Atencio Herrera.
Elenco: Macarena Bejares González, Tamara Colipan Rachel, Catalina Barros Balbontín.
Diseño integral: Giselle Campos Betanzo.
Realización audiovisual: Cesar Aravena Manriquez.
Diseño de iluminación: Mateus Fávero Martins.
Operación de luces: Javier Millar Jara.
Operación de sonido: Hardy Cotal Salamanca.
Diseño gráfico: Los Contadores Auditores.
Producción y Entrenamientos: Macarena Bejares González.
Público desde los 14 años.
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El monólogo de un árbol
Comedia familiar e interactiva que nos invita a reflexionar sobre la importancia que tienen los árboles para la especie humana y la forma como nos relacionamos con ellos. Una obra que busca despertar la conciencia sobre el cuidado de los árboles como seres únicos en el universo que nos permiten habitar este planeta que llamamos tierra.
En ella, un actor se encuentra en un serio problema: Su jefe, el dueño de la sala de teatro itinerante, lo obliga, en solo 3 días, a crear una obra titulada “El Monólogo de un árbol”, si no logra tener lista la obra el jefe lo “echara de patitas en la calle”.
El actor angustiado, desesperado y encerrado en la sala de teatro crea diferentes personajes, todos entretenidos, buenos y dinámicos, pero ninguno lo convence. El público llega y él, con mucha vergüenza, les pide ayuda para decidir en conjunto cuál es el que mejor representa un árbol.
Ficha artística
Dirección: Juan Cabrera.
Asistencia de dirección: Francisco Martínez.
Producción: Paloma Garling y Juan Cabrera.
Dramaturgia: Carro Nómade.
Asesoría de dramaturgia: Paolo Conte.
Actuación: Juan Cabrera.
Técnica en escena: Paloma Garling.
Diseño y realización de escenografía y utilería: Nicole Salgado.
Realización de vestuarios: Nicoleta Fuentealba.
Diseño de iluminación: Nicole Salgado.
Locución y voces: Rodrigo Valenzuela.
Diseño gráfico: Paloma Garling.
Realización cartelería: César Vallejos.
Realización Sala de Teatro Itinerante: Amor Escénico, Andrés Rebolledo, Juan Cabrera.
Duración: 80 min (esta duración contempla 2 funciones de 25 min c/u; además de entradas, distribución y salida de los espectadores).
Público familiar desde los 6 años.
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Tejiendo la ruta del regreso a casa
La obra cuenta con la ejecución de instrumentos musicales, y la manipulación de objetos y marionetas fabricadas en técnica de fibra vegetal. Dos actores en escena dan a conocer, en tono documental de naturaleza, la travesía del ave migratoria “Zarapito de pico recto”, un ave playera que migra todos los años desde el hemisferio norte hasta las costas del archipiélago de Chiloé, realizando un viaje de 16.000 km.
La ruta migratoria de esta ave es el hilo conductor de la historia para poner en relieve la importancia de los humedales en Chiloé y su conservación. El montaje incentiva la conservación, pone en valor los oficios ancestrales, expone hechos científicos y costumbres basadas en la relación del ser humano con la Tierra.
Ficha artística
Dirección y dramaturgia: Pablo Obreque.
Intérpretes: Marcelo Padilla y Paula Almonacid.
Dramaturgia: Andrea Pereda y La Familia Pez.
Diseño de Integral: Marco Vargas.
Vestuario: Mariluz Pinto.
Duración: 1 hora.
Público familiar desde los 6 años.
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La minga de Pedro
Esta obra relata el viaje de un niño que va por primera vez a una minga de papas a casa de sus abuelos. Para llegar deberá enfrentarse a las adversidades que el paisaje le impondrá, de esta forma tendrá que aplicar todas las enseñanzas que le dieron sus abuelos y sus padres en torno a su medio natural, para lograr su objetivo.
La obra busca poner en valor el trabajo comunitario de la Minga, la cual forma parte de las costumbres ancestrales de Chiloé.
Ficha artística
Dirección: La Familia Pez.
Texto: Paula Almonacid Burgos.
Música: Marcelo Padilla Viveros.
Diseño y realización: La Familia Pez.
Duración: 30 minutos.
Público familiar desde los 6 años.
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